SIRR fue fundada en Lisboa, Portugal, en el 2001 para promover el arte sonoro innovador y desafiante. Con clara vocación internacional, en sus créditos podemos encontrar artistas de todo el mundo y de tendencias variadas dentro de lo que es el complejo mundo de la electrónica de vanguardia. Durante estos 3 últimos años han ido completando uno de los catálogos más cuidados y atractivos del panorama internacional.

SIRR se centra en lanzar sobre todo música electrónica con un fuerte interés por el contexto, proceso y relaciones entre el sonido y espacio. Medias convergentes, la disolución y la reintegración posterior del sonido a su arsenal infinito de orígenes, usos radicales de ruido y texturas rompiendo sus tradicionales barreras - la etiqueta portuguesa SIRR opera en estos y otros planos flexibles.

Los conceptos, recursos y planteamientos que utilizan son por si mismos realmente interesantes y reveladores, pensamos que merece la pena pararse un rato a leerlos aunque los resultados concretos en cuanto a música a veces no sean del todo comprendidos y a menudo cuestionados, toda actividad humana necesita de un ejercitamiento y preparación, en este caso la audición de estos estilos de música/no-música, conviene situarse y abrir bien las orejas quitándose un poco el lastre que nos condiciona por todo aquello que hemos aprendido y a lo que estamos acostumbrados.

Centrándose al principio en talentos locales, SIRR ha ido extendiendose a proyectos radicales de todo el mundo, músicos que desechan ocasionalmente definiciones preconcebidas de la música, en los que los elementos que giran alrededor del arte sonoro (espacio de la acción, objeto, instrumentación, diseño) están generalmente implícitos en sus realizaciones sónicas y explícitos en su tejido compositivo.

Con motivo de su paso por Valladolid el pasado mes de noviembre, Disckreto nos ha preparo un pequeño dossier donde, a través de una entrevista con uno de los responsable del sello y un repaso sus últimas publicaciones, conoceremos más detalles SIRR.

Conversaçao con Rui Costa. Lisboa, noviembre 2004
"Sirr-elovution ... sempre 01 poco + lejos"

disckreto - Es curioso que la mayoría de los artistas que figuran en el catálogo de Sirr-ecords proceden o tienen una vinculación especial con el mundo de la imagen, videocreación, visual-art y etc... empezando por el fundador del sello Paulo Raposo. Me pregunto = te pregunto ¿porqué las ediciones se limitan a audio y no contienen creaciones dvd o cualquier referencia relacionadas con los propios trabajos? y lo pregunto conociendo el nivel al que os movéis en este sentido, por lo que he podido ver en conciertos.

Rui Costa - Sí. Alguna de la gente de la familia SIRR trabaja con imagen, aunque de formas muy distintas entre ellos. Los hay que utilizan el sonido y el vídeo como dos media en los cuales los procesos computacionales actúan de forma libre, transitan de uno al otro, cogen patrones de uno y los aplican en el otro, etc. Aquí estamos en el campo del arte digital intermedia pero como no creemos que el media sea el mensaje habrá que pensar en la poética de las imágenes y de los sonidos para caracterizar mejor este tipo de trabajos. Ejemplos: [des]integração, Paulo Raposo, Stephan Mathieu.

Pero la mayoría de la gente de SIRR que está vinculada a las artes visuales utiliza la imagen (y el sonido) de forma "instrumental" en sus trabajos más o menos conceptuales sobre el espacio. Gente que viene del mundo del "installation art", de la arquitectura y del pensamiento teórico como, por ej., Steve Roden, Brandon LaBelle, Marc Behrens. A pesar de que toda esta gente trabaja con imagen, no tienen por hábito considerarla en sus trabajos discográficos, a parte de la preocupación por el diseño gráfico de las portadas.

Alguna gente que colabora con SIRR piensa que la inclusión del vídeo en el soporte fonográfico es algo peligroso pues, en cierta medida, te impone un determinado "patrón cognoscitivo" en la escucha del sonido. Para otros, el dvd abre un mundo de posibilidades y en un par de años la cohabitación entre imagen y sonido va a ser la norma en la edición discográfica.

En resumen: SIRR sí que tiene planes de empezar a editar dvds. Aparte de las cuestiones de $ (fabricar dvds es aún más caro que fabricar cds) es necesario desarrollar, en conjunto con los artistas, el trabajo de pensamiento sobre modos discursivos audiovisuales en soporte dvd. Nuestra idea es, hasta final de 2005, invitar a una serie de vídeo-artistas y de artistas sonoros para pensar y trabajar sobre ello y en conjunto con el sello de Oporto Crónica Electrónica iniciar una edición de dvds con dúos de 1 artista sonoro + 1 vídeo-artista.

dsk - Ok, aclarado. Lo que si apreciamos como una constante en Sirr-ecords es la investigación como prioridad, es decir, todos los artistas y trabajos están basados y desarrollados a partir de la investigación de nuevas formas (algunas no tan nuevas pero si minoritarias o poco conocidas) tanto en el concepto como en los recursos y la forma de utilizarlos ...

Rui - Sí. el trabajo del artista sonoro presupone una constante investigación, no sólo en sus prácticas y recursos sino también en los conceptos. Nuestro trabajo en el sello también presupone un nivel de investigación, de buscar un sentido entre la infinitud de propuestas, hacer un poco el papel del musicólogo...

Rui - Bueno, yo prefiero utilizar “arte sonoro” porque es una definición mas amplia y tiene un énfasis en la utilización de cualquier materia sonora para la construcción de una obra de arte (una instalación, una pieza para radio, una conferencia sonora, etc.). El termino “música” alude mas a la organización “premeditada” de los sonidos, sin mas. En el catálogo de SIRR tenemos gente que, claramente, es artista sonoro (por ej. Brandon LaBelle) y gente que no pretende ser mas que un músico (por ej. Carlos Zingaro). Utilicé la expresión “musicólogos” a falta de una mejor... Cuando me referí al papel del equipo editorial de SIRR como si fueran “musicólogos” quería solamente subrayar que con la cada vez mayor diversidad de propuestas y de líneas de investigación del arte sonoro (lo que no es ajeno a la democratización de los medios de producción), es cada vez más difícil producir con sentido y generar un discurso teórico/crítico sobre ello. Por eso, quien, como nosotros, pretende mantener un criterio de edición en que la “relevancia estética” de la obra a editar, en el contexto actual del arte sonoro, es el factor mas importante, tenemos que tener una especialización (autodidacta, por supuesto) cada vez mayor... Cuando hablas de luthieres yo pienso en el músico digital que construye su propio instrumento con su software (los ambientes de programación musical como max/msp, pd o supercollider). Me parece muy bien que haya cada vez mas gente que lo sepa hacer pero no basta construir un instrumento, hay que saber tocarlo y (lo mas difícil) hay que tener un discurso estéticamente relevante... Mi opinión es que casi toda la música “laptopiana” sufre de este problema: total énfasis en el instrumento y nada interesante que contar: solos de guitarra en versión DSP...

dsk - Y ya metidos en definiciones hay una que está muy de moda, "música electrónica", todo el mundo utiliza la etiqueta para cualquier cosa. ¿que podríamos aportar aquí de cara a facilitar la comprensión a todos aquellos que viven ajenos a estos movimientos? o bien ... ya que en SIRR también utilizáis el término ¿que quiere decir para vosotros? estoy seguro que no tenéis la misma idea que los dj's, por ejemplo.

Rui - Música electrónica es una etiqueta que se refiere simplemente a los instrumentos utilizados para hacer música. No te da ninguna pista sobre la estética (no creo, para nada, que haya una "estética de la música electrónica", por lo menos en el campo de la música experimental)...

Creo que la expresión "música electrónica" sólo tiene algún valor operativo en el universo de la música pop/dance, pues sirve muy bien para distinguir la música que resultó de la explosión de la "club culture" en los años 80, alimentada por la aparición del "sampler", de la "otra" pop, tendencialmente eléctrico-acústica (con instrumentos acústicos amplificados por la electricidad). A finales de los años 90 la aparición de ordenadores personales con capacidad suficiente para procesar audio en tiempo real, hizo que el término "música electrónica" se aplicase también a la música pop producida y tocada con ordenador (la llamada "laptop music" o "microsound").

Es cierto que la "laptop music" contiene algunos elementos de experimentalismo, a nivel de los procesos de manipulación de audio, pero también es verdad que muchos de esos procesos ni siquiera son recientes, pues los pioneros de la música electrónica en los años 40/50 ya los utilizaban en sus laboratorios y, lo más importante, los han estudiado de forma científica y han desarrollado los instrumentos adecuados para tocarlos. Mi tesis es que la pura "laptop music" (aquella que basa su "discurso" sólo en la utilización de sonidos sintéticos y en procesos digitales) no es en realidad "música experimental" (con alguna dosis de provocación se la puede llamar incluso música pop) pues, por una parte, los procesos digitales no son en general creados por los propios músicos sino por programadores informáticos que de música saben muy poco, y, por otra parte, este tipo de música poco de nuevo nos cuenta en cuanto al lenguaje, discurso y concepto, o sea, elementos esenciales para la creación de una obra artística. En el campo de la música experimental/arte sonoro la designación "música electrónica" tiene poco valor. Si la utilizamos a veces, será por descuido.

dsk - Bien, por eso lo preguntaba. Como resulta muy difícil catalogar de alguna manera ciertas formas de expresión ¿donde situáis la línea de Sirr-ecords generalizando un poco?. Yo, desde fuera, quizás el vínculo que veo entre las diferentes propuestas vuestras es una fuerte inclinación por el minimalismo y la experimentación ... Todavía se puede hablar de minimalismo en estos tiempos, pero ¿con "experimentación / música experimental" pasa un poco lo mismo que con "electrónica / música electrónica"?

Rui - ...”Fuerte inclinación por el minimalismo y la experimentación”... es una expresión que define muy bien la generalidad de los discos de SIRR ... aunque la palabra “minimalismo” sea un poco peligrosa porque está demasiado gastada y se refiere a corrientes del arte contemporáneo y de la música con las cuales no tenemos nada que ver. Pero, sí, minimalismo en el sentido de que en casi todos los discos de SIRR hay una preocupación por el detalle, una tendencia hacia el bajo volumen y el silencio, por la creación de paisajes sonoros evocativos, etc. Minimalismo también porque, en algunos casos, hay una fuerte economía de recursos y casi no se nota la presencia del artista. Un buen ejemplo es Toshiya Tsunoda, el artista sonoro japonés que construye sus piezas preparando al ínfimo detalle las situaciones de captación de sonido (utilizando, por ejemplo, micrófonos piezo-eléctricos para captar fenómenos sonoros “microscópicos”) pero dejando siempre a los sonidos “seguir su propio camino” (imprevisible, claro), independientemente del artista. “Experimental” es una etiqueta tan fea como “Electrónica” (las etiquetas son feas por definición) pero por lo menos te da la idea de una preocupación por la exploración de nuevos caminos, de un trabajo continuado y metódico, etc. “Electrónica” te habla de transistores y microchips... que tiene esto que ver con arte?

dsk - Ok, por último, ¿puedes adelantarnos un poco en que consistirá la presentación en Valladolid? ¿es también vuestra presentación en España? (choca que no haya ningún elemento español en el sello ...) ¿qué tipo de concierto nos vas a ofrecer? ¿tocarás tu sólo?

Rui - Nuestra presentación consistirá en una primera parte en la que yo y Luís Costa (uno de los socios de SIRR, junto conmigo, Paulo Raposo y el alemán Marc Behrens) daremos una conferencia sobre algunos aspectos estéticos que caracterizan el catálogo SIRR como por ejemplo, la recontextualización de sonidos de campo (“field recordings”) y la utilización del sonido en la investigación artística sobre el espacio. En la segunda parte, daré un concierto con mi laptop en el que improvisaré a partir de un conjunto de pequeñas muestras del catálogo SIRR.

Todavía no hay ningún artista español representado en SIRR, pero tenemos en nuestro “círculo de complicidades” algunos españoles como los músicos vallisoletanos Iñaki Ríos y Natividad Plasencia y los gallegos Chiu Longina y Durán Vásquez. Por curioso que parezca, tampoco hay muchos artistas portugueses representados en el catálogo! De los 19 discos editados, apenas 6 son de artistas portugueses!. La buena noticia es que en las nuestras próximas ediciones la presencia castellana se verá reforzada: En enero 2005 saldrá una recopilación celebrando los 50 años de la pieza de Stockhausen “Gesang der Jünglinge” que contará con la presencia de Iñaki Ríos y Natividad Plasencia, y en marzo 2005 sacaremos el primer disco del dúo luso-español ja_dijiste.

		Últimas publicaciones de Sirr-ecords
		John Hudak and Stephan Mathieu "Pieces of Winter by ..." - Septiembre 2004
		El CD "Pieces of Winter by Juan Hudak and Stephan Mathieu" se basa en una composición de cada uno de los dos artistas sonoros, originalmente para una pequeña edición personal de saludos de Navidad para los amigos en el invierno de 2002/2003. Las grabaciones de Juan Hudak para "Winter Garden" (Jardín de Invierno) se hicieron con un micrófono de contacto enterrado durante la noche en la nieve que se fue transformando en hielo. Entonces él registró la nieve que caía sobre esta capa de hielo. Las grabaciones básicas para "Nuit Blanche" de Stephan Mathieu fueron hechas la víspera de Navidad 2002 con Eva-Lucy Mathieu a la ocarina y él mismo con un órgano de bomba. Finalmente estos fragmentos originales fueron intercambiados y transformados en una tranquila suite minimal de variaciones digitales.
		Varios Artistas "Noli me legere … to Maurice Blanchot" - Septiembre 2004
		Con Brandon LaBelle/ Maria Nilsson, Christof Migone, Julien Ottavi, Paulo Raposo, Steve Roden, Toshiya Tsunoda, Stephen Vitiello. Siete artistas sonoros crearon piezas inspiradas en la obra escrita de Maurice Blanchot (1907-2003) una de las figuras más enigmáticas e influyentes de la literatura moderna. Su trabajo abarca la escritura de novelas y ensayos así como artículos de prensa y libros de crítica (anti) filosófica. Blanchot - recordado por relatos distantes y por una fotografía clandestina de 1922 como alto, delgado y de aspecto cadavérico - eligió voluntariamente la reclusión, la ausencia de compromiso y el aislamiento y se negó a participar en la vida pública. Blanchot evitó entrevistas, fotografías y afiliaciones académicas; todo lo que sabemos de su vida se reduce a un puñado de anécdotas sin importancia y conjeturas construidas alrededor de la publicación de sus libros y ensayos.
		Brandon LaBelle "Concert" - Abril 2004
		Construyendo, instalando, registrando, amplificando, sonido y espacio, música y arquitectura, se sobreponen y cohabitan, como un concierto que incorpora del mismo modo arte y audiencia, activando sonido y objetos, edificios y cuerpos. Tal concierto procura intensificar el proceso de construcción con un poco de humor, un poco de improvisación, un poco de performance contextual, usando la instalación artística como instrumento para el juego. Brandon LaBelle entiende la instalación como punto de reunión de varias fuerzas - sonido y edificio, musicalidad y conversación, cuerpos y contexto - como manera de crear una relación inesperada: para juntar el tú y el yo en un proceso de encuentro, un concierto donde la diferencia singular encuentra su lugar dentro de la multitud.
		Jason Kahn "Miramar" - Abril 2004
		"Registré estas piezas en el estudio usando el sintetizador analógico, timbal base (floor tom) y címbalos pequeños. El sintetizador produjo ondas senoidales y trató el sonido de la percusión, el cuál saqué de un micrófono condensador montado en el tambor sobre el mezclador y nuevamente dentro del sintetizador. Podía entonces controlar todo lo que salía del sintetizador y llegaba a través de la entrada externa o de sus osciladores, y vía micrófono coloqué la salida de nuevo al mezclador y a dos altavoces en el cuarto, lo cuál amplificó la señal de los tambores. El tambor de suelo funcionó como compartimiento resonante, proporcionando en simultáneo feedback y una proyección de imagen armónica levemente diferente del sonido del cuarto. Fueron unidos al tambor dos micrófonos de contacto, uno montado en la cáscara del tambor y otro montado en la piel inferior."
		Paulo Raposo & Carlos Santos "Insula Dulcamara" - Febrero 2004
		"Insula Dulcamara" presenta una serie de improvisaciones en directo y en estudio que fueron progresivamente transformadas y retocadas a lo largo de dos años. Pequeños apuntes recogidos durante vacaciones en el norte de Portugal, notas de viaje, espacios reverberantes, gestos particulares tejidos dentro y en contra diversos materiales. Los sonidos se mueven tranquilamente a través de paisajes fragmentados de grabaciones de campo y los procesos electrónicos transformados crean un flujo complejo siempre en mutación. Paulo Raposo es un artista sonoro y de nuevos media instalado en Lisboa. Estudió filosofía y cine pero ha trabajado en live electronics y sonido por ordenador desde el inicio de los años noventa, actuando, exhibiendo trabajos de instalación y grabando en Francia, Alemania, Gran Bretaña, España, Italia, Holanda, Portugal y Estados Unidos.
		Toshiya Tsunoda "O Respirar da Paisagem" - Mayo 2003
		El trabajo sonoro de Toshiya Tsunoda representa un replanteamiento radical del concepto de grabaciones de campo. En vez de documentales o naturalísticas, sus piezas aparecen como composiciones musicales únicas preocupadas con la relación entre espacio y cognición, convirtiendo en audible la vibración de los objetos, revelando la belleza en cada detalle sónico. "Para volver audible la vibración oculta de los objetos, se utiliza un sensor piezo-cerámico de corriente para generar presión. La vibración transmitida dentro de un sólido es entonces convertida a un voltaje que puede ser grabado." Con la aproximación meticulosamente científica de un cataloguista, Tsunoda captura la profundidad del paisaje, la respiración vital de las cosas.
		Janek Schaefer "Black Immure (Music from the Casa de Serralves in twelve phases)" - Febrero 2003
		Janek pasó 3 días recogiendo, manipulando y editando sonidos que iba encontrando dentro y alrededor de la Casa de Serralves y del Museu de Arte Contemporanea de Serralves en Oporto, Portugal. La Casa se encuentra dentro de los jardines del museo y tiene una soberbia reverb natural. Para el concierto junto con este material fue improvisando y combinándolo con discos de vinilo portugueses comprados allí mismo y grabaciones hechas en su piano Steinway. Durante la performance Janek 'tocó' físicamente el edificio bajando lentamente sus enormes persianas y ventanas hasta envolver al público en la oscuridad. 'Immure' significa encerrar entre paredes, encarcelar. Hacia el final del concierto Janek abrió las persianas y puertas de la terraza que estaban por detrás de él y una instalación de luz reactiva al sonido proyectó sombras y luces en el interior. La perfomance terminó con él saliendo hacia el jardín iluminado por la luna, lejos de la casa, mientras los sonidos finales parpadeaban y decaían, dejando el público en silencio, sólo...